LCD Soundsystem – American Dream
Дата релиза: 1 сентября 2017 г. | Лейбл: DFA; Columbia | Оценка: 8/10
Мне вообще было настолько фиолетово по поводу “возвращения” этой группы, что я даже не успел разозлиться, как это сделала большая часть музыкального мира. Все-таки, уходя, двери закрывают плотно, а не офигевают с грандиозности лебединого выступления на Мэдисон-Сквер-Гарден. Это как прийти на свои собственные похороны, чтобы посмотреть на оплакивание, а потом передумать. Но, как я уже сказал, мне было совсем по барабану: творчество Джеймса Мерфи и компании я почти не знал, новости летели мимо меня, поэтому я сосредоточился только на American Dream.
Их четвертый студийник продолжает установленные традиции дэнс-панка. Видно это уже по спокойному и солидному старту в лице “Oh Baby”. Выбранная линия перкуссий не приедается, и даже не самая продуманная лирика несет в себе одновременно успокаивающий и ностальгический эффект. “Other Voices” – шизофренический трек, от которого, как и ожидалось, двоякое ощущение. С одной стороны это хорошее послание молодым людям, сдерживающее их от наивности и прочих глупостей, выраженное в очень простой форме, с щекотливым битом. С другой стороны, голос Мерфи после двух больших кусков трека неприятно расплывается и оставляет осадок. Вытаскивают положение дел отличная синти-партия и небольшое вокальное представление от клавишницы Нэнси Уэнг.
После “I Used To” уже начинаешь сомневаться, а что нам, собственно, дают послушать? Выразить эту музыку словами достаточно сложно. Я бы сказал так, первые три трека нужно как-то пережить, если вы не фанат жанра. Но радует тот факт, что точно так же, как бегуны на стометровках должны бегать как будто сто десять метров, чтобы не сдать перед финишем, LCD Soundsystem якобы заканчивают каждый трек за 30-40 секунд, но не бросают его просто так, а дорабатывают до конца.
Но за этим следует определенно худший трек с American Dream, “Change Yr Mind”, чья эгоцентричность стала выпирать слишком очевидно. Мерфи постоянно делает ремарки по поводу своего возраста и исходящей из него непопулярности. Здорово так говорить, когда находишься во всех топах лучших альбомов этого года. Депрессия после восстановления, понимаю. Тогда зачем было возвращаться? Я понял корень трека, но его исполнение ни к черту.
Куда более занятным стала девятиминутная сага “How Do You Sleep?”, где Джеймс пытается докричаться через Атлантику до британского берега, куда без предупреждения сиганул один из создателей лейбла DFA, нарушив условия контракта. Здесь появляется более жесткий грув, синтезаторы приближаются к струнным, а голос, ясное дело, звучит с насыщенным эхо. Это чуть ли не единственный трек, где присутствует прогрессия и под который можно потанцевать “по-настоящему”.
Дальше идет троица молодцов, о которых мнения сильно разнятся. Мне больше всего нравится “Tonite” и его отличный посыл. Люди могут сколько угодно осуждать чрезмерное нытье Джеймса в этом треке по поводу современной музыкальной индустрии, и, может быть, текст этой песни похож на родительские причитания, но… Шаблонные песни о сегодняшнем дне, о жизни в моменте настолько осточертели не сколько своим присутствием, сколько их непонятной популярностью среди людей, которые верят этому бредовому музыкальному менталитету. Мерфи создает “Tonite”, для того чтобы отучить молодежь от такого взгляда, найти прелестное в конечности и смерти, называя последнюю “лучшей новостью недели”. Этот намеренно плоский, речитативный и рутинный трек как раз выигрывает своей природой и для меня становится лучшим с American Dream.
“Call the Police” с более стандартной мелодией арт-рока и энергией, появляющейся из ниоткуда, и наигрустнейший “American Dream” с неожиданно кульминационной концовкой для песни о сексе без обязательств тоже неплохо меня торкнули. Во время всего American Dream душа Дэвида Боуи летала где-то неподалеку, и заключительный трек “Black Screen” посвящен именно ему. Джеймс Мерфи неоднократно говорил о своей дружбе с британской теперь уже “черной звездой”. Велика вероятность, что именно Боуи сподвигнул LCD Soundsystem на написание этого альбома.
American Dream понравился мне куда больше, чем я ожидал. Мне не нужно было привыкать к возвращению этого коллектива, потому синдром отвращения прошел мимо меня. Тут и там есть большие претензии и странная доступность-недоступность, но без этого в наше время никуда.
The National – Sleep Well Beast
Дата релиза: 8 сентября 2017 г. | Лейбл: 4AD | Оценка: 9/10
The National стали моим персональным открытием в этом году, благодаря комментариям и отзывам с паблика. Это, признаю, очень полезное знакомство должно будет во что-то вырасти, потому что дойти до творчества этой группы сразу может быть приравнено к философскому подвигу. Но вот с чистого листа Sleep Well Beast я разобрать мог и получилось это очень даже. Довольствоваться планкой предыдущего альбома Trouble Will Find Me The National позволить себе не могли, тем более у него былая смешанная критика. Вроде бы те же самые мужики с тем же самым скучным и правильным звуком, но с полумертвой подачей, понравившейся только Питчфорку. Sleep Well Beast – совсем другой зверь, уж простите за игру слов.
Не знаю, что завлекает слушателя в атмосферу The National с самого начала, но я бы винил во всем едва слышимый бит “Nobody Else Will Be There”, который буквально оставили в хлебном магазине. Вообще, этот трек хорошо описывает формулу этого коллектива. Представляешь себе человека, сидящего за барной стойкой, у которого за бокалом его любимого напитка появилась неприятная мысль (наряду с музыкой The National), которую бы хотелось порешать наедине с самим собой или с кем-либо, но сделать это в шумном помещении почти нереально, и, находясь в неумело скрытой панике, он спешно продвигается к выходу. А вот дальше, на улице или дома, у лирического героя коренным образом меняется настроение. “Day I Die” выигрывает своей открытой хаотичностью: кричащим риффом на переходах, скоростными куплетами и невероятным желанием разобраться с проблемой. Все это играет на руку The National.
“Walk It Back” начинается с дружелюбного и доступного грува, а потом спиралью доходит до отрывка из речи бывшего советника при Буше-младшем, Карла Роува, который после неожиданного музыкального камео был, мягко скажем, недоволен. Это открыло для The National площадку для следующей политизированной песни, “The System Only Sleeps in Total Darkness”, только здесь Бернингер закругляет углы и смотрит на систему со стороны, как она влияет на него и как с нею проще смириться. Мне очень нравятся строчки отсюда, прекрасно характеризующие аполитичных американцев, которым все равно приходится находить смысл в этих “вещах” (да, именно эвфемизмом a different kind of thing воспользовались The National по той или иной причине): “Я думал, что со временем все разрулится, но теперь ты мне говоришь, что я прошу слишком много внимания”. Припев может прилично застрять в вашей голове, когда Мэтт поднимает регистр и с истерикой признает, что не может объяснить это по-другому. А уж гитарное соло этого первого сингла с Sleep Well Beast – просто вишенка на торте.
В “Turtleneck” немного прифигеваешь, потому что сюда еще не ступала нога The National. Это самый разгоряченный трек в их дискографии. У Бернингера явно припекло, и такую самоотдачу мы сможем услышать только раз и навсегда. О чем эта песня, можно разобраться в специальном клубе, где джентльмены собираются по четвергам, курят трубку и не разговаривают.
Здесь нужно сделать важное замечание: тексты альбома были созданы немного в соавторстве с женой Мэтта, Кэрин Бессер. Особенно тема их отношений раскрывается во второй половине трека, где они позволяют себе представить не очень приятные для себя сценарии. “Empire Line” – урбанистический трек с высокотемповыми перкуссиями, которые бросили тень даже на лирическое наполнение песни, что просто удивительно для The National. Даже если поначалу трек вам не понравится, то он обязательно развяжет ваши нейроны впоследствии.
В “I’ll Still Destroy You” Бернингер включает режим “я пою кое-как, но все равно получается красиво”. Это мастерски скомпозицированный трек, который не надо расщеплять на атомы, он сам пустит вас в плавание по своему потоку. Пока мы аплодируем и кричим браво, Boxer передает нам привет: у него все ништяк. А вот во время “Guilty Party” можно зареветь, так как рассматривается предразводный период, в котором нет виноватых, как утверждает название. Один супруг спит весь день, другой – мучается от инсомнии. Клавесин здесь добивает своим абсолютным минором.
Несмотря на все жемчужины с альбома, мне дико нравится “Carin at the Liquor Store”. Наконец-то исправленное имя “Karen” с Alligator ставит все на свои места. Эта дикая меланхолия окончательно овладевает, и строчки “Вини во всем меня, мне безразлично, это предразрешенный исход” не отпустят никогда. А потом в старомодном динамике звучит ломающийся микрофон и призыв кавалерам приглашать своих дам на танец под “Dark Side of the Gym”.
“Sleep Well Beast” подводит итог одноименному альбому и чуть ли не является его кратким содержанием, кивающим в направлении его треков: бит – из “Guilty Party”, джин – из стартового, и все дороги ведут к “I’ll Still Destroy You”. У меня лично после прослушивания Sleep Well Beast наступило полное умиротворение, а лицо расплылось в улыбке. Это один из лучших альбомов, который мне приходилось слушать, за исключением, может быть, единственного провального “Born to Beg”, в котором The National как будто забыли, как показать чувство слабости. В остальном же, Sleep Well Beast давит на нужные точки и позволяет нам быть людьми.
Alvvays – Antisocialites
Дата релиза: 8 сентября 2017 г. | Лейбл: Polyvinyl | Оценка: 8/10
Группа Alvvays появилась на моих радарах совсем недавно, и с самого начала я думал, что это будет мое разочарование. Их очень тяжело не полюбить: канадцы, да еще из Торонто, выпускают второй альбом и не кажутся цыплятами, миловидная вокалистка… Но существует маленькая проблема: в рамках жанра “дрим-поп” прийти к чему-то ощутимому почти нереально. Так что Alvvays были обречены на провал. Даже после их дебютного Alvvays в памяти многих осталась “Archie, Marry Me”, набравшая три с половиной миллионов просмотров, но грандиозности никакой не ждите.
И тут приходит Antisocialites, который не то что не разочаровывает, да еще и добавляет сверху. Уже в “In Undertow” раскрывается тема заканчивающихся взаимоотношений, причем Молли уже давно их пережила, а ее партнер – нет. Оно и понятно, кхем. Причем никакой магии тут нет, поэтому она поет: “не поведусь на астрологию, не особо полагаюсь на луну”.
“Dreams Tonite” становится новой визитной карточкой группы Alvvays, смещая с этой позиции счастливчика Арчи. Вот так надо делать современный дрим-поп, чтобы он не приедался своей избыточной лоу-файностью. Ингредиенты просты: простая структура, отгадываемый припев, но с такой ровной и безупречной подачей, что слушатель восторжен не меньше, чем герои фильмов, которые при сумеречном свете посещают уличный кинотеатр, и глазки-то их заблестели. “Если бы я увидела тебя на улице, приснился бы ты мне этой ночью?” – после этой строчки сердце – напополам.
Также я просто влюблен в песню “Your Type”. Здесь лирическая героиня остается милой и деликатной дамой, но пытаться доказать отчаянному партнеру их несовместимость достаточно сложно без определенной доли сарказма. Забавные отсылки в – прошу заметить – двухминутной композиции достигают апофеоза, когда Рэнкин приводит аргумент, что не подходит ему “по типажу”, вспоминая о “типах крови”, которые у нас называются группами. Мне начинает дико нравиться темп Antisocialites, когда она вроде бы хочет поскорее покончить с этим, но оставляет исключительно приятный след. “Lollipop (Ode to Jim)” – потрясная песня с наибольшей смысловой нагрузкой, ведь она посвящена фронтмену группы The Jesus and Mary Chain, Джиму Риду. Не знаю, реально ли Молли считает его “леденцом” (lollipop) или это просто для итоговой рифмы с Игги Попом, ну да ладно.
Никто не может упрекнуть Antisocialites в однобразии. Немного разрывает ритм в начале “Plimsoll Punks”, убийственно длинный для такого блицорского альбома. Казалось, что Молли не дает нам передохнуть, один пассаж за другим не мог обойтись без ее вокала. Эта же композиция, ведомая гитарной партией, заставляет певицу нахмурить брови и высказать что-нибудь поострее. Но к концу песни она задевает самые высокие ноты, чтобы закончить ее аркадной музычкой. Хорошим разбавителем оказался “Hey”: приятно видеть, что ребята находят другую струю, этакий пост-панк 80-х с большой опорой на восьмидесятые. А “Already Gone” бросает менталитет “прыгай, бегай, веселись”, когда мелодия буквально рассыпается как песок сквозь пальцы, когда героиня узнает, что близкий ей человек погиб при странных обстоятельствах.
“Forget About Life” простенько завершает альбом выводом о том, что отношения были построены на уходе от других жизненных проблем. Композиция терзает тишину дурманящим переходом и последними словами с Antisocialites. Если вы хотите быстрый, но эмоциональный альбом, то такой аттракцион вам явно придется по вкусу. Это абсолютно типичный дрим-нойз-поп, в котором и шума как такого не наблюдается и слушается он невероятно просто; исключением можно посчитать только не самый удачный “Not My Baby”, где Молли угнала на мотоцикле и завела свою шарманку. Добавьте к этому всему хорошие лирические решения на короткой дистанции и получите свежий альбом Alvvays.
Phoebe Bridgers – Stranger in the Alps
Дата релиза: 14 сентября 2017 г. | Лейбл: Dead Oceans | Оценка: 7/10
Еще бы чуть-чуть, и я бы потерял возможность узнать эту калифорнийскую исполнительницу с волшебным голоском и, наверное, фиолетовой аурой. Фиби Бриджерс выпустила свою дебютную пластинку Stranger in the Alps после долгих лет незатейливого песнопения и сочинительства, когда ее буквально подобрал Райан Адамс, а затем поддержали зубры похоронного сингер-сонграйтерства.
Stranger in the Alps становится точкой соприкосновения многих известных исполнителей, и от количества ассоциаций голова идет кругом. На “Would You Rather” и вовсе появляется Конор Оберст, поддержавший усилия Фиби в этом трогательном треке, который мог бы появиться в любом диснеевском фильме. В конце альбома можно услышать акустический кавер на совместную композицию Джимми ЛаВаля из The Album Leaf и невероятно плодовитого Марка Козелека, “You Missed My Heart”: слушать историю о тюремной смерти из уст такой хрупкой девушки ну просто невыносимо больно.
Самой нагруженной в этом смысле стала стартовая “Smoke Signals”. Меня очень напрягают такие композиции, где все козыри сразу выложены на стол. Голос Бриджерс идеально ложится на аранжировку, как будто на самый удобный в мире матрас, повторяющий контуры тела. Так вот, здесь отсылки и к Дэвиду Боуи, и к Лемми Килмистеру, упоминается песня The Smiths, а второй куплет начинается словами “Один глаз твой всегда наполовину закрыт, что-то случилось с тобой в детстве”, что теоретически можно посчитать метафорой или обращением к Тому Йорку. Уж очень тут все хорошо, а припев приятно пугает меня дерганьем шестой струны, невероятно похожей на ту, что можно услышать во вступительном саундтреке к эпизодам “Твин Пикс”. В общем, всех собрала.
В “Motion Sickness” настроение совсем не альбомное, и гитары тут принимают новую форму. Самый популярный из небольшой дискографии Бриджерс трек повествует о том, как какой-то музыкант старше ее влюбил ее в себя, и теперь Фиби страдает от “эмоциональной морской болезни” (занятная игра слов emotional и motion), умная аналогия для контрастирующих чувств, что и является главной темой трека.
Если возвращаться к знаменитостям, то тут есть “Demi Moore”… Но вам не нужно ничего знать о названии этого трека, потому что это чистая случайность. Если прислушаетесь, то поймете почему. А вообще, лучше не надо. Эта композиция, может быть, хорошо звучит во время концертов, но как часть Stranger in the Alps несколько выпадает из обоймы и даже несколько мне противна. Дело даже не в глупой истории, где молодой человек отказал девушке в секстинге под предлогом пойти спать при восходе солнца, а она скрыла свои эмоции, посмеялась и ушла за наркотой (хотя это тоже напрягает), сколько в отсутствии какой-либо глубины в треке.
Туда же можно отнести и “Funeral”, который вроде бы грустный и оправданно такой, так как посвящен умершему другу. Но, к сожалению, и так не самое веселое течение трека омрачается малопримечательным припевом. Я понимаю, что он вызван реальной усталостью, но я вот не сомневаюсь в эмоциональном спектре исполнительницы, который здесь почти себя не проявил. Может быть, это можно списать на некую молодушность, очевидную в “Scott Street”, ретроспективе отношений, где героиня потерялась в своей наивности и все еще тепло вспоминает прошлое, одновременно надеясь на то, что ему стыдно за произошедшее, но при этом опасаясь, что он станет для нее незнакомцем. Но иногда такая формула работает, как например в простенькой пианинной балладе “Killer”, в которой я чудом умудрился не всплакнуть.
Отменным треком со Stranger in the Alps я считаю “Georgia”, где перед нами предстает совершенно другая Бриджерс. Но не надо удивляться: это одна из ее самых первых композиций, которая ждала своей очереди на попадание в студийный альбом. Хорошая работа над инструментами принесла свои плоды, и звучит это все очень проникновенно. Этой оценкой я делаю Фиби большую скидку. Ей еще очень далеко до похожей модели подражания в лице Джульен Бейкер, но потенциал, заложенный в Stranger in the Alps, очевиден каждому.
Emily Haines & The Soft Skeleton – Choir of the Mind
Дата релиза: 15 сентября 2017 г. | Лейбл: Last Gang | Оценка: 5/10
Вот в чем магия подобных сайд-проектов: ты даже не ждешь новый материал, ты забываешь, что у тебя есть хоть какие-то мысли по поводу старого, ты просто смирился с фактом одного-единственного альбома, отмечающего некую стадию в творческой жизни артиста. Эмили Хэйнс мне всегда хватало в Metric, но и это быстро развеялось после неудавшегося Pagans in Vegas. И когда я думал, что канадская инди-поп-звезда меня удивить уже не сможет, у нее получилось. Спустя одиннадцать лет у ее стороннего проекта Emily Haines & The Soft Skeleton выходит второй альбом. Вот это да.
Ожиданий, связанных с этой пластинкой, у меня вообще не было. Тут к гадалке не ходи, будет очень скучно и претенциозно красиво. Knives Don’t Have Your Back мог сработать разве что в 2006-м. Если вам не по вкусу атмосферные пианинные баллады, то сразу пролистывайте дальше.
Все начинается с не такой уж и космической темы, но название говорит само за себя, “Planets”, в которой Эмили играет на парадоксе: “планеты стоят на месте”, а “люди отдаляются”, хотя по сути все совсем наоборот. С точки зрения вселенной человеческая жизнь мизерна, но масштабы настолько несравнимы, что потеря дорогого нам человека – это даже не капля в планетном океане событий.
Обезоруживающее начало находит продолжение в “Fatal Gift”, который мы вполне могли услышать у Metric. Самое интересное за весь Choir of the Mind происходит именно здесь. Мы не остаемся наедине с одним популярным клавишным инструментом, но становимся свидетелями неслабого продюсирования и высоких темпов. Под “роковым подарком” героиня подразумевает продукт, которым мы владеем, но который по сути порабощает нас. Естественно, речь идет о персональных технологиях, интернете и прочем мертвом мусоре, от которого нас так яро пытаются отучить современные исполнители. Конечно, лучше предаваться любви, как это случилось в “Strangle All Romance”, коротком и едва заметном признании в том, что любовь – это сложная шутка, особенно в начале и завершении, “ее слишком много, ее всегда недостаточно”.
Тут уж такой жанр, такая задумка, что заснуть на проходных и забываемых треках, вроде “Wounded”, проще простого. Не удивляйтесь, если пятьдесят девять минут этого альбома вы проведете в трансе. Туда же идет “Nihilist Abyss”, очередной проходняк, который никак не вяжется с идеей одиночества как таковой. Эмили хочет избавиться от всех прежних чувств, но признает опасность в потере способности любить. Послушайте Эмили – не делайте как Эмили. А потом вдруг безвкусная композиция “Statuette” об объективизации женщины, и Эмили, я уж не знаю, с сарказмом или нет, повторяет “ты лучше меня”, обращаясь к мужчине. Мало того, что посыл так себе, так еще надо постараться так плохо соединить композиционные части.
Choir of the Mind не избежал участи однообразности. В “Legend of the Wild Horse” вы уже было подумали, что вас ждет захватывающее повествование, а вместо этого получили личный мотивационный трек Эмили Хэйнс, которая подстегивает себя бороться во имя свободы и чего только не. Эта мантра очень мудро построена, но повторяется настолько часто, что избивается достаточно быстро. Ну, главное, чтобы работало. “Minefield of Memory” – солидный трек, так же утонувший под повторениями.
В итоге смазанные ощущения перешли на вторую половину альбома, где раздражающий “Perfect on the Surface” заставил меня впервые подумать, что мне тошно от ее вокала. А одноименный “Choir of the Mind” является этакой дешевой версией “богемской рапсодии” для канадки, разговор один на один с собой. Если вы выключились посередине этого трека, все нормально, это научно доказанный симптом. Чтобы сэкономить вам время, единственная песня с В-стороны, заслуживающая вашего внимания, – это “Siren”.
Этот альбом я вытащил из неизвестности только для того, чтобы напомнить, что есть вот такой замечательный проект, который кому-нибудь когда-нибудь да может понравиться. Нисколько не принижаю творчество Эмили и ее мысли, но Choir of the Mind – далеко не фонтан и далеко не пойдет. Другое дело, что она удовлетворила свою потребность в создании качественного сайд-проекта, который, может быть, отложит еще на десятилетие для последующей рефлексии.
Foo Fighters – Concrete and Gold
Дата релиза: 15 сентября 2017 г. | Лейбл: RCA | Оценка: 6/10
У Foo Fighters всегда получалось быть самой излюбленной и самой ненавистной рок-группой современности почти в любом десятилетии. Персона Дэйва Грола не дает никому покоя, но за последние лет пять он стал все более частой фигурой на телевидении, при этом топовые синглы его коллектива продолжают крутиться на ротациях всех радиостанций. Понятное дело, что о прогрессивном материале из их репертуара мечтать не приходится, но я подхожу к Concrete and Gold с очень непопулярным мнением: мне очень зашел коротенький, восьмитрековый Sonic Highways, который я умудрился прослушать за обеденный перерыв на моем втором университетском курсе, и я хорошо помню, как дергался не глаз, а нога, в такт отлично скомпонованным песням.
История девятого альбома в дискографии Foo Fighters началась с двух синглов с разными историями, и концентрироваться на них нужно, потому что велика вероятность, что ничего лучше мы не найдем. Если в Wasting Light мы ходили (“Walk”), то сейчас мы бежим (“Run”). Мы потихоньку начинаем привыкать к тому, что Грол скримит, и это добавляет шарма в эту песню. От нее даже остались приятные впечатления, однако переход к припеву и главному лозунгу о том, что пора бежать, от смерти, старости или политической несвободы, такой же неловкий, как некоторые клипы с прошлого места работы фронтмена, Nirvana. “Run” – это тот случай, когда с клипом композиция становится лучше. Пенсионеры, совершающие погром в доме престарелых, – это что-то новое, а такое самоуничижение и называние себя “старыми” для мира музыки и мира вообще – это нисколько не коробит и похвально.
“The Sky Is a Neighborhood” заслуженно и закономерно стал горячим. Как будто это кого-то удивило. Такое ощущение, что у фуфиков никогда не обходится без мгновенного хита. Этот медленный, ожесточенный гимн строит тирады о том, что люди и звезды – одного помола. Мол, безграничность рулит. И под такой заводной припев трудно в это не поверить. Вот это сила Foo Fighters, которую признают даже самые отъявленные критики.
А теперь давайте вернемся с небес на землю и начнем резко журить. Я даже не знаю, что менее заметно на “Make It Right”: бэк-вокал Джастина Тимберлейка или хоть какие-то усилия сделать хорошую песню. Рифф под старину звучал очень прилично, но текстовка абсолютно не цепляет. Обидно даже. Невпечатляющ и “La Dee Da”, где я едва не упустил возможность поздороваться с Элисон Моссхарт. Не хочу оскорбить Тэйлора Хокинса, – с вокалом у него все в порядке – но “Sunday Rain” вообще не вписывается в и так не стабильный альбом. И можно было бы закрыть на это глаза, но песня ужас какая притянутая: барабанщику Foo Fighters и сыгравшему за него партию некоему Полу Маккартни дали целых шесть минут славы.
Вот что вы думаете о Леонардо ди Каприо, когда он в своем инстаграме информирует своих незатейливых подписчиков о природных катаклизмах, которые занимают его голову? Почти пофиг, не так ли? Но, может, кто-то восхищается. В любом случае, ваша реакция на “Dirty Water” будет ровно такой же. “Окровавливаем грязную воду, дышим грязным небом” – что скажешь, Дэйв. “Убедительность” на уровне. А уж если сравнивать с “Earth Song” Майкла Джексона, то это точно капля в океане. В грязном океане.
Но положительно оцененных композиций с альбома тоже хватает. Уж не знаю, посвятил ли Грол “Arrows” богине войны, Афине (или еще кому, у кого были “стрелы в глазах”), или какой-нибудь определенной женщине, все равно она звучит гордо, по-настоящему, по-фуфайтерски. “Happy Ever After (Zero Hour)” вполне можно было бы услышать на In Your Honor. Это трогательная и пассивная композиция с печальным и одновременно мотивационным подтекстом: “Сейчас нет супергероев, они все под землей”. Дескать, беритесь за дело, ребята. А “The Line” – это удивительно хороший трек к концу альбома, в котором рокеры наконец-то позабыли о навязчивой идее слиянии тяжести и попсовости и вернулись к своей истине. Приятно быть дома.
Никто не будет спорить, что завален финальный одноименный трек “Concrete and Gold”, при котором пришлось убедиться, не поменялась ли скорость воспроизведения в плеере. Пластинку дослушивать было больно, но шестерка очень даже заслуженная. Foo Fighters на своем среднем, но белом коне.
Chelsea Wolfe – Hiss Spun
Дата релиза: 22 сентября 2017 г. | Лейбл: Sargent House | Оценка: 6/10
Сказать, что я ждал шестой альбом от Челси Вулф, – ничего не сказать. В то же время моя общая недалекость и далекость от дум-метала пугала перед знакомством с Hiss Spun. Кто знает, может быть я поставил предыдущему Abyss высокую оценку, испугавшись, обнаружив лакуну в своем музыкальном развитии, найдя нечто другое? Что же будет сейчас? Hiss Spun только и говорит что о любви, появляющейся чуть ли не в каждом треке, о доверии к партнеру и к окончательной разрушительной силе предательства.
И наступило оно сразу со стартовым треком “Spun”. Небольшое разочарование. Я, конечно же, не жду повторения Abyss, но в любом случае представленный здесь бит выполняет непонятный сизифов труд, катит этот камень в никуда. Может быть, для начала и сгодится, но якобы накаление трека посредством введения шумов и зубодробительной барабанной партии приводит не к дрожанию, а к зеву. Закруглился трек так, как будто он финальный.
За ним следует “16 Psyche” один из самых запоминающихся треков в ее дискографии, пусть и немножечко доступный для любителей какого-нибудь альтернативного рока. Восхитительный гитарный рифф, кстати говоря, сыгран участником великих Queens of the Stone Age, Троем ван Левеном. Челси умеет выстраивать напряжение по всему треку, но если раньше это была безнадежно засасывающая воронка, то теперь это веревочная лестница, где каждый шаг наверх дается с трудом, под давлением ветра, представленного дикими шумами и криками с самой вершины.
Несмотря на пересмотренный звук, Челси хватки не потеряла. Во время “The Culling” я подумал: не, ну это все. Мне нельзя слушать такие композиции, которые абсолютно верно ведут тебя за руку, и ты знаешь, что туда идти не надо, не стоит, тебя же разорвут, но ты намеренно идешь на это, следуешь за нею в те места, которые никогда бы не посетил в своей жизни. Перед припевом, может быть, был не самый лучший переход, но тут буквально память вышибает. “Twin Fawn”, тебя это тоже касается, только еще в большей степени, потому что начало едва касалось твоей кожи, а потом “ты вскрыла меня, жила внутри” и дальше по тексту. Но обязательно было испортить трек абсолютно выпадающей концовкой, которая не состыковывалась с общим настроением?
И надо признать, что Hiss Spun полон вот такими спорными моментами. Например, “Vex” – двойственный трек, который явно переходит проторенные территории Вулф. Здесь уже четко прослеживаются черты дум-метала, гитары становятся невыносимо тяжелыми на фоне сладкого голоса певицы, а довершает это безобразие забежавший на огонек бывший вокалист группы Isis, Аарон Тернер. С другой стороны, единственными плюсами трека можно посчитать первый куплет и мужской вокал в конце, но соединили их явно на соплях. В “Particle Flux” меньше всего соединяешься с песней. Создается эффект минимального присутствия, как будто смотришь на бессмысленное произведение искусства. Даже когда после разогревающей тишины композиция сжимается в спираль, ощущений никаких. А “Static Hum” – возможно, один из худших треков Челси Вулф: нулевое настроение на барабанах и самый скучный рифф в истории.
Кто-то может обвинить Вулф в желании понравиться более широкой аудитории, и я понимающе кивну головой. Уж слишком много шуму наделал Abyss и понравился питчфоркоманам и периферийным рок-слушателям. Естественно, песня “Offering” – для них, чуть более открытая, дружелюбная, и поначалу она мне даже понравилась. Но закрадывается мысль, которую так и хочется отбросить, что это бесперспективный трек, пробивающий дыру в потолке. Куда более таинственно звучит “Two Spirit”. Что казалось пустым треком было вытащено высочайшими нотами и безнадежным настроением. Такой тихий фаворит альбома, незаметно прокравшийся в треклист. “Scrape” играет на той же волне.
Проблема Hiss Spun в том, что используется одна и та же формула. К тому же, я сильно разочаровался в лирике Челси, которая раньше была куда лучше, чем повторение одних и тех же слов по всему альбому, вроде flux, welt и пресловутых hiss и spun. И весь этот позор еще и слила в треке “Welt”. Не годится.
The World Is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die – Always Foreign
Дата релиза: 29 сентября 2017 г. | Лейбл: Epitaph | Оценка: 6/10
Этим мини-обзором я бы хотел напомнить своим читателям о существовании этой группы из Коннектикута. Always Foreign – их третий альбом после шикарного Harmlessness (2015). Только прошу вас, не убегайте после первых двух треков. Да, “I’ll Make Everything” не представляет из себя ничего из рук вон выходящего, а “The Future” врубает скучный и редкий для TWIABP поп-панк (еще он почему-то появился в промахивающемся “Dillon and Her Son”) с наипростейшей задумкой: будущее приходит, настоящее было ужасным, но оно уже в прошлом. Капитан прибыл. Обещаю, что альбом становится лучше со временем, прямо как вино.
“Hilltopper” уже больше похож на правду. Вероподобность чувствуется за милю, так как песня “посвящена” уходу гитаристки, Николь Шанхольцер, которая явно чего-то наделала, если они ей желают страданий и говорят, что она еще получит по заслугам. TWIABP прекрасно известны тем, что ненависть они оборачивают не в самой жесткой и злостной обертке, эта песня – как раз тому пример. Потрясающий рифф “Faker” напоминает об истоках группы, о их отточенной смеси пост-рока и эмо. Жаль, что приходится ждать четыре минуты хоть до какого-то настроения в композиции, где этот жанровый дуэт проявляет себя в лучшей степени. Не за те ниточки тянут ребята.
Может быть, я стараюсь найти положительное там, где его нет. Никто из случайных слушателей “Gram” не полезет на стену или в интернет искать, а что же это за группа с таким длинным названием. Но в моем понимании “Gram” – это очень взрослый и интроспективный трек. Почему-то он навевает мне воспоминания о школьных временах, необязательно моих, чьих-то далеких, пустырных, игривых, угрюмых и полароидных. “Я сожалею о том, что сожалею; причины беспокойства губят наш разум, но это не надо считать преступлением” – задело как-то.
В “For Robin” TWIABP четко и правильно формулируют точку зрения, которой в последнее время придерживаюсь и я. Ребята даже не поют, просто доносят о том, что быть в трауре по знаменитостям – ненастоящая горечь. Здесь и раскрывается заголовок: никто на самом деле не знал Робина Уильямса, покончившего с собой тремя годами ранее. В песне звучат простые имена собственные, имена потерянных друзей, которые что-то значили для музыкантов, и призывают нас помнить о своих близких.
Я уже достаточно сказал о “Marine Tigers”, центральном треке Always Foreign. Однако нужно напомнить, что это песня про отсутствие толерантности: “пожалуйста, помните, что для человека чужой является земля”. Да, музыка вас может не впечатлить, но ход их мысли, в отличие от многих приверженцев покричать за свободу граждан, невероятно спокоен и здорово поддерживается никуда не прыгающими гитарами, проклевывающимися только в шествующем марше песни. Да здравствует название этой группы и в “Infinite Steve”, где ребята выложились на все сто. Кульминация у них действительно получилась. Совместная вокальная работа и незабываемые аккорды – на ура.
Always Foreign вызовет восторг лишь у немногих слушателей. Меня же этот проект постоянно мотивирует и предлагает что-то простое, до боли знакомое. Это скорее “шесть с половиной”, не дотянувшие до семерки.
Protomartyr – Relatives in Descent
Дата релиза: 29 сентября 2017 г. | Лейбл: Domino | Оценка: 7/10
Последним альбомом сентября, пошевелившим наши нервишки, стал четвертый студийник от американского пост-панк коллектива Protomartyr. Relatives in Descent предлагает вам двухминутку ненависти, растянутую на почти пятьдесят минут, и там нет места физическим погромам. Музыканты встают на один уровень со слушателем и находятся в поисках чего-то, что сами не в состоянии определить.
Стартовая “A Private Understanding” совершает прямое попадание в слушателя. И похоже, что Джо Кейси поменялся местами с Ником Кейвом: это ж надо так походить. Продолжает разговор шикарная проповедь “Here Is the Thing” о рушащихся 2017-м и 2018-м (мы еще и в будущее заглядывать умеем). Минимум глаголов, нам нужно больше именных словосочетаний, тезисов, которые обернуты непонятной фразой “вот какое дело”, как будто это пародия на неудавшегося политика или соседа aka диванного геополитического эксперта. И все это звучит так бодро, так естественно.
В некоторых треках Кейси неаккуратен на поворотах. Например, в “My Children” он рискованно размазывает по стенке противников чайлдфри и высмеивает идею передачи генного кода из поколение в поколение. Мало того, что тема может показаться неприятной, подача уж чересчур резкая. Ну раз про детей мы уже говорили, давайте теперь про патриархат, ритмично сравниваемый с чумой в “Male Plague”.
Верный темп “The Chuckler” заставляет поражаться глубине альбома. Мы уже подсознательно ждем частого перебора гитар и однообразного бита, подслащивающих пост-панковое настроение альбома, но каждый раз оно удивляет по-новому. И пусть на то, чтобы понять все отсылки в этой работе Protomartyr, уйдет не шесть и не шестьдесят прослушиваний – мы получаем лучшее, что может нам дать рок-музыка в этом году. “Windsor Hum” – прекрасный способ показать эмоциональный хаос, творящийся в США, и его полное отрицание, прямо как в том мемасике, где собака сидит за столом в горящем здании и говорит, что “все нормально”. Повторение модальных глаголов “хотеть” и “нуждаться” рисуют образ всепоглощающей машины, шумящей очень низким звуком, но незаметно мешающим жить.
Вторая половина альбома вас также не разочарует. Если вы еще не врубились в Relatives in Descent, врубитесь после “Don’t Go to Anacita”. Перкуссии наконец-то выходят на первый план и выполняют уже не только атмосферную функцию. Даже нефанаты гараж-панка начнут подпевать припеву. Затем, в “Up the Tower”, по словам самого Кейси, барабанная партия ассоциировалась у него с людьми, бегущими по лестнице и стучащими в его дверь. Причем пусть неблизкий: все-таки на башню забираются, где императора достать не так легко. Настроение государственного переворота, уж не знаю, к чему это вдруг… После свержения в “Night-Blooming Cereus” пришла не анархия, а меланхолическая искривленная реальность, в которой цветы растут только по ночам. Впервые слышим вокалиста столь грустным.
“Half Sister” –катарсис альбома, он закольцовывается прекрасным сторителлингом, состоящим из трех притч, а потом оказывается, что “сводной сестрой” в этой метафоре является правда. Правда – тема, за которой гнались Protomartyr весь альбом, но спотыкались, так как доверчивому человечеству доступен только ее призрак. “Она пытается дойти до тебя” – пелось в первом треке, и последний заканчивается теми же словами. Но она так и не дойдет, потому что мы сделали все, лишь бы она умерла. Только за такое решение Relatives in Descent можно уже давать звание лучшего рок-альбома года.
Легок на помине,
MV.
